Umanoides


Tracey Emin en el CAC de Málaga by umanoidemanme
diciembre 6, 2008, 3:18 pm
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Del 28 de noviembre al 22 de febrero puede visitarse en el Centro de Arte Contemporáneo de Málaga una exposición retrospectiva de la doctora en filosofía, arte y letras, Tracey Emin.



Guervós en Ciudad Real by umanoidepoliuretano

Aquí os reproduzco las notas que tomamos en la conferencia que dio el profesor Luis Santiago Guervós en Ciudad Real con motivo de las jornadas “El Genio y el Gusto” y en las que nos habló sobre el problema estético en Nietzsche.

Las gracias al señor Manuel Ramírez que nos ha donado sus notas, pues las mias fueron arrebatadas por mi profesor como justificación de asistencia. Puedes leer más en historiadoreshistéricos

 

La metafísica nihilista es estética.

   “El arte es el único que hace posible la vida; el único estimulante par la vida. El arte como anticristiano y antinihilista”. Y es nihilista porque es la afirmación categórica de la vida.

   El grado de fuerza del artista se mide según soporta la vida en un mundo sin sentido. El artista es afirmativo, porque los artistas son creadores y productores. Zarathustra ama a quien crea por encima de sí mismo. El artista practica la praxis esencial, la afirmación de la vida.

   Algunos interpretan esto como una nueva trascendencia, la del placer creador. Nietzsche señala que la belleza no existe en sí, sino que somos nosotros los que hacemos que tenga sentido. Niega la metafísica que no tenga que ver con el individuo.

   Podemos afirmar que el nihilismo se reafirma con la fuerza y el poder, ya que estos son la base de la mente artística. Estos son ingredientes necesarios para superar el nihilismo.

   El nihilismo podía ser una divina manera de pensar. Para él hay una relación directa entre el nihilismo y la voluntad e poder. Para Nietzsche el conocimiento solo se basa en la apariencia, pues lo que conoce del arte, que es creación inventada, es lo que percibe y no otra cosa.

   Nietzsche trata de concienciar al hombre de lo que es. Para ello prevee un movimiento futuro de cambio. El nihilismo no tiene Dios ni fundamento. Este contra-movimiento se expresa:

-como negatividad productiva,

-como autocreación 

-como camino al genio.

   Para superar el nihilismo hay que entender lo negativo como creativo. Pero el primer nihilista no es creativo. El primer contra-movimiento es revolucionario y contiene una negación implícita. Antes de construir hay que conocer. El nihlismo se niega y vuelve contra sí para superarse. Esta superación se produce por la radicalización en torno a una estructura dialéctica. Las fuerzas productoras aún no son firmes y la voluntad de poder no es fuerte.

   El nihilista se transciende por la creatividad. Decir “no” al nihilismo es decir “no” a la capacidad de autocreación. ES imposible vivir en la negación de esta transcendencia. Zarathustra dice “vosotros solo conocéis las chispas de aquel que agita el martillo”.

   La acción creativa requiere que el artista se transforme en camello, león y niño, metafóricamente hablando; lo que se conoce como la “transfiguración e las tres almas”.

   *el camello es la historia, lo pasado, la tradición cristiana, joroba con la que siempre cargamos.

   *el león dice “no” con el objeto de “crearse libertad para un nuevo crear”. En esta segunda fase el hombre libera la libertad que vive dentro de sí. Pero el león no ha logrado desprenderse totalmente de las redes que lo ataban; es decir, ha alzado la negación “de” pero no la negación” para”. El león es un destructor nato sin patria.

   *el niño es inocencia, comienzo, olvido, juego, rueda movida por sí misma, un santo decir sí”. El hombre solo puede afirmar su autonomía si afirma para así la autonomía del niño.        

 

            La superación del nihilismo a través del genio

 

   El problema de Nietzsche era un problema sobre todo religioso.

   Nietzsche buscó que el hombre llegara a ser obra de arte para conseguir ser un ser superior. Esta autoconciencia es el paso justo precedente al superhombre, “una cuerda tendida sobre el abismo”. Éste es el redentor del pasado y del futuro. El superhombre atiende al papel del legislador: mientras atiende a su perfección igualmente eleva la vida de los demás, por eso el genio no puede desvincularse de los demás. Lo decisivo en todo esto es la fuerza que el artista imprime en su entorno.

   Nietzsche concede a la figura del genio el papel preponderante y de éste destaca su capacidad para percibir la belleza. Ya Schiller prestó atención a este aspecto. El genio es aquel que puede acceder a la belleza a través de la apariencia. Pero la belleza artística es una ilusión para dar semblanza al sentido del horror del mundo.

   Para Nietzsche el genio va cambiando su máscara conforme evoluciona su pensamiento. Wagner, Voltaire y Dionisos (no el dios, sino el filósofo) fueron los modelos que para él proporcionaron orden a una realidad sin sentido.

   El genio puede redefinir los horizontes de la humanidad. A veces aparece como justificador del fruto supremo de la vida. Él incita a las masas  a ser superación. La existencia humana es imposible sin ellos. El artista y su actividad creativa sirven para justificar la vida, y la vida así queda justificada. Su espíritu creador los hace heraldos del colectivo de los “hombres superiores”.

   Los grandes hombres son una materia explosiva dentro de la cual hay otra oscura que necesita expandirse, crecer, superar los límites en que está estancada.

   Por tanto, el genio garantiza el genio de la humanidad, pero sin los anteriores valores. Para Nietzsche, los seres humanos superiores deben actuar como guía de la nueva cultura. Aboga, pues, por la creación de hombres superiores, los cuales luchen contra todo lo que nos ha impedido alcanzar el nivel conspicuo de nuestra existencia.

   El arte, en definitiva, nos muestra que desde nosotros mismos podemos crear el orden de sentido, pero no sometiéndonos a la fe en un dios o en el caos. El nihilismo es consciencia de lo que somos y concepción de la vida como creación y al genio como creador.



El arte como mondadura by umanoidemanme

En su obra El mundo como supermercado, Michel Houellebecq nos ofrece sus reflexiones sobre el arte contemporáneo tras asistir a la proyección de la obra de un videoartista que había introducido su pene en un glory hole, le había atado una cuerdecita y lo movía como si fuera un títere:

“Esa atmósfera de descomposición, de fracaso triste que acompaña al arte contemporáneo, acaba por hacerle a uno un nudo en la garganta; y se echa de menos a Joseph Beuys con sus propuestas llenas de generosidad. Aun así, el testimonio sobre nuestra época que implican cosas como ésta es de una precisión que le deja a uno impresionado. He pensado en eso durante toda la tarde, y no he podido escapar de esta conclusión: el arte contemporáneo me deprime; pero me doy cuenta de que representa, con mucho, el mejor comentario reciente sobre el estado de las cosas. He soñado con bolsas de basura rebosando de filtros de café, de mondaduras, de trozos de carne en salsa. He pensado en el arte como mondadura, y en los pedazos de sustancia que se quedan pegados a las mondaduras”.



BIACS3 by usoidesfero
octubre 21, 2008, 5:59 pm
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La semana pasada acudí como corresponsal de umanoides a la BIACS3 con el propósito de aportar al blog unas cuantas fotos de lo que allí se puede ver y un ramillete de valiosas y agudas apreciaciones y reflexiones sobre el arte contemporáneo. Lo de las fotos no pudo ser porque en la entrada me dijeron que estaba prohibido, aunque luego, casi al final, había un grupito de post-adolescentes cámara en ristre haciendo fotos de todo lo q veían… Así que tendréis que contentaros con mis profundas opiniones.

Una vez satisfecho el precio de la entrada y dentro del recinto he de decir que lo primero que me vino a la cabeza fue la famosa definición del arte de Tomás de Aquino : “El Arte es morirte de frío.” Ya que esa fue la sensación (no olvidemos el arte contemporáneo busca sobre todo eso, provocar sensaciones) que provocó en mí la primera obra que vi expuesta: me dejó frío. La obra que provocó dicha sensación en mí consistía en un bombo (el instrumento musical) con una webcam encima, y un mecanismo que accionaba el mazo, palo, o como quiera que se llame lo que se usa para golpear el bombo y que suene. Todo estaba conectado de tal manera que al ponerte delante de la cámara, se accionaba un mecanismo que provocaba que el mazo golpeara el bombo y éste sonara. En fotos he visto que, al parecer, sale tu cara proyectada en el bombo, pero yo no lo vi, de manera que es como si, en un plano simbólico/metafísico, te dieran a ti en la cara.

Una aclaración importante para aquellos que no estén muy puestos en arte contemporáneo: una de las reglas de oro es que nunca has de preguntarte qué quiere comunicar el artista con su obra: no hay mensaje, no quiere decir nada. Lo cual, es cierto sólo a medias, todos los artistas contemporáneos quieren comunicarte algo: “Dame algo, payo.” De tal manera que el dinero funcionaría como una especie de grado cero del arte: al decirte todos lo mismo, se convierte en un mensaje neutro, de tal manera que es cierto que en el fondo, ninguno de ellos quiere expresar nada.

Bueno, tras esta breve digresión, debería decir el nombre de la obra que he comentado, y del artista que la concibió, pero no. Ya pagué 4 euros por la entrada, con lo cual, él y yo ya estamos en paz. El que quiera saber más, que se compre un libro (en concreto, el catálogo, por el que pagué 30 euracos, así que, pensándolo bien, el artista y yo no estamos en paz, más bien, me debe una cocacola).

Afortunadamente, no todas las obras eran así.

Una de las cosas que observé es que el videoarte está en alza. En la bienal anterior sólo visité una de las dos sedes, la de las Atarazanas, y, que yo recuerde, sólo había un vídeo: un nuevo pensador árabe-francés explicando unas ideas interesantísimas sobre el sujeto, que ni qué decir tiene, no me entretuve en escuchar. Sin embargo, en esta ocasión, había varios montajes en vídeo. En especial recuerdo dos: uno llamado City, creo, en el que un artista chino grabó una ciudad de noche y vino tinto agitado, y al superponer las imágenes consiguió crear lo que podríamos definir como un salvapantallas muy chulo. El otro vídeo se llamaba Drama, y consistía en un video-collage, en el que un coreano, tomando escenas de Jamón Jamón y otra peli española, y un templo, y más cositas, creaba espacios artificiales con los que nos invitaba a reflexionar (el sobre qué es cosa de cada cuál). Pero que conste que a mí me gustó.

La segunda impresión que obtuve fue que la interactividad está de moda. La mayor parte de obras expuestas eran “interactivas.” Pasaré a comentar tres de las que más me gustaron: en la primera, un aparato proyectaba imágenes de burbujas cayendo, y si te ponías delante del haz de luz, tu sombra y las burbujas podían interactuar, podías “tocar” las burbujas, explotarlas, jugar con ellas…; en la segunda, te daban un sable láser (de pega) y si lo agitabas delante de la pantalla podías dibujar con la estela de la espada, mientras sonaba música, y al final, hay una sorpresa que no desvelaré. Estas dos me gustaron mucho, aunque he de confesar que en el fondo de mi mente sonaba la siguiente pregunta: “¿Lo tendrán para la Wii?”.

La tercera obra interactiva que iba a comentar es un poco problemática para mí. Me gustó mucho, me pareció ingeniosa, pero digamos que ya lo había visto antes en otro sitio. La obra consistía en una mesa redonda, que era una especie de pantalla táctil azul con un punto blanco en el centro, conectada a un proyector que enviaba las imágenes a una pantalla en la pared. Junto a la pantalla había una serie de “fichas” de metacrilato con formas distintas y unos dibujos en su interior. Algunas de las fichas funcionaban como instrumentos, de forma que al colocarlas sobre la mesa, sonaba el instrumento que fuera, y cambiando la ficha de posición, o rotándola se cambiaba el sonido del instrumento. Otras fichas cambiaban algún aspecto del sonido: había un metrónomo que cambiaba el ritmo según la posición que ocupara en la mesa, pudiendo interactuar con un instrumento, o más, y de un modo u otro según se colocara. Todo muy pero que muy parecido a esto. He de decir que los del vídeo son alemanes y viven en Barcelona, y que los que habían hecho la mesa eran catalanes y alemanes, pero no sé si hay algún tipo de relación entre ellos.

Y bueno, antes de exponer mi conclusión, algunas obrillas sueltas que me llamaron la atención:

– Una llamada “Zeus playing” que consistía en una serie de varillas colgando del techo con algo de carga eléctrica, de modo y manera que al pasar entre ellas, iban saltando chispas. Ponía que no pasaba nada, vi a uno que pasó y salió sin daños aparentes, pero yo preferí darle a las varillas en una esquinita y con la guía que llevaba en la mano. No entra entre mis planes morir electrocutado en nombre del arte.

– Una habitación con un montón de taquitos de plastilina amarilla y un microondas y un video de un pulgar presionando uno de los taquitos y que era repetido una y otra vez, una y otra vez en un bucle infinito y nietzscheano. Según me explicó la azafata, un pavo apretó una vez un taquito de plastilina amarilla, y se dio cuenta de que parecía un sofá pequeñito. Años después, se acordó de aquello (es lo que tiene la vida ociosa) y se dio cuenta de dos cosas: a) que podía fabrcar un sofá con esa forma, aunque no me quedó claro si llegó a hacerlo o no, y b) que si ponía una mesa con taquitos de plastilina amarilla, un microondas y un vídeo de su pulgar apretando uno de los taquitos, podía redondear el sueldo.

– Unas plantas colgando del techo que al acercar la mano, o tocarlas, sonaban.

– Un robot que estaba escribiendo, despacito y con buena letra, la biblia con una pluma en un rollo de papel gigantesco. (Si ahora conseguimos otro que nos rasque la espalda ahí entre las paletillas, donde hay que doblar un montón el brazo para llegar, habremos triunfado como civilización y como especie).

Para ir resumiendo, que como he dicho, parece que el videoarte y la interactividad están de moda, y que para ser artista hoy día hay que ser ingeniero por lo menos. Si bien antes, un artista dominaba una técnica (acuarela, óleo, escultura en mármol, barro….) hoy tiene que dominar una tecnología. Se busca sorprender, con el riesgo, como sucede en muchos casos, de caer en el aplauso fácil. Y decir que, aunque parezca que no me gustó, en general, la impresión que tuve fue bastante buena, y que pienso volver al menos otra vez. Creo que esta edición supera a la anterior, que también me causó una buena impresión.

Como colofón había pensado añadir un documental que echaron hace tiempo en Canal +, y que se titulaba “La Comedia del Arte”, pero como no estaba en youtube, pues nada. El que lo tenga en su casa, en un DVD que le grabé yo (que no, señores de la SGAE, que es broma, cómo iba yo a grabar en DVD una cosa con derechos de autor, por Dios), pues que lo vea.

Tras mi próxima visita, veré si tengo algo más que añadir, y a ver si mañana le echo un vistazo a lo que Zizek (con un ^ al revés en cada Z) decía de la interactividad como interpasividad, y pongo otro post.

Ah, y un enlace a la Fundación Biacs. Y por favor, si alguien se explica el porqué de que una de las dos sedes tenga que ser Granada, que me lo explique.



Gregor Schneider by umanoidemanme
abril 21, 2008, 8:40 pm
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Gregor Schneider “expondrá” un enfermo agonizante que morirá en público:

http://www.elmundo.es/elmundo/2008/04/21/cultura/1208790651.html



la decadencia de la mentira by umanoidemomo
febrero 22, 2008, 1:27 pm
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“CYRIL: (Entrando por la puerta al balcón abierto de la terraza): No esté usted encerrado todo el día en la biblioteca, mi querido Vivian. Hace una tarde encantadora y el aire es tibio. Flota sobre el bosque una bruma rojiza como la flor de los ciruelos. Vayamos a tumbarnos sobre el césped, a fumar cigarrillos y a gozar de la naturaleza.

VIVIAN: ¡Gozar de la naturaleza! Tengo el gusto de comunicarle que he perdido esa facultad por completo. Dicen las gentes que el arte nos hace amar aún más a la naturaleza, que nos revela sus secretos y que una vez estudiados estos concienzudamente, según afirma Corot Constable, descubrimos en ella cosas que antes escaparon a nuestra observación. A mi juicio, cuanto más estudiamos el arte, menos nos preocupa la naturaleza. Realmente lo que el arte nos revela es la falta de plan de la naturaleza, su extraña tosquedad, su extraordinaria monotonía, su carácter completamente inacabado. La naturaleza posee, indudablemente, buenas intenciones; pero como dijo Aristóteles hace mucho tiempo, no puede llevarlas a cabo. Cuando contemplo un paisaje, me es imposible dejar de ver todos sus defectos. A pesar de lo cual, es una suerte para nosotros que la naturaleza sea tan imperfecta, ya que en otro caso no existiría el arte. El arte es nuestra enérgica protesta, nuestro valiente esfuerzo para enseñar a la naturaleza cuál es su verdadero lugar. En cuanto a eso de la infinita variedad de la naturaleza, es un puro mito. La variedad no se puede encontrar en la naturaleza misma, sino en la imaginación, en la fantasía, en la ceguera cultivada de quien la contempla.”

Oscar Wilde.



Ausländer Raus!!! by umanoideenlabactria
febrero 7, 2008, 3:24 pm
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Este es un fragmento de una de las “obras de arte” más controvertidas del siglo XX, se trató de una aparente y polémica propuesta de reality show en la que unos inmigrantes ilegales luchaban en un contenedor por conseguir la nacionalidad austriaca. De hecho Ausländer Raus quiere decir en alemán extranjeros fuera!

 El autor es el controvertidísimo artista alemán Christoph Schlingensief. Estudió en Munich filología germánica, filosofía e historia del arte, y desde muy joven vió su vocación artística, con algunas peliculas bastante provocadores como “100 Jahre Adolf Hitler” (1988/89), “Das deutsche Kettensägenmassaker” (1990) o “Terror 2000” (1992). Desde el  97 hace AKTIONS provocadoras como: el proyecto de Missioos para yonkies y personas sin techo en la estación central de trenes de Hamburgo “Passion Impossible – 7 Tage Notruf für Deutschland” o en 2000 “Bitte liebt Österreich, Ausländer Raus!!!“ para asilados políticos en Viena, un reality show al estilo de “Gran Hermano”. En 1997 fue detenido durante una manifestación artística en la documenta X por llevar un cartel con la inscripción “Tötet Helmut Kohl” (Matad a Helmut Kohl).  Se dedica a bajar de su pedestal con espectáculos caóticos, a íconos alemanes como Rudi Dutschke, Helmut Kohl o Rosa Luxemburg, hasta sus AKTION en el espacio público siempre se observa un motivo básico: ¡No confíes en certezas! . Es un completo canto a la posmodernidad reinante…

 Schlingensief es una de esas personas que genera permanente inseguridad, puesto que se encarga de desdibujar totalmente los límites entre realidad y ficción, arte y acto criminal, intención y acción. Las poéticas y los tratados clásicos de dramturgia se ven convulsamente sacudidos, vapuleados por sus planteamientos. Por eso, sus performances fuera del teatro siempre funcionan genialmente: “Practicamente todos los transeuntes creyeron el juego de un brutal Gran Hermano con asilados en el centro de Viena, donde aquel que fuera el último en el contenedor ganaría un permiso de residencia”(increible pero cierto…).

En el teatro de Schlingensief todo juega a ser espontáneo y transgrede reglas – tal como se desprende de estos pocos ejemplos sobre sus veinte años de molesto que provocar – y a él podemos caracterizarlo por un fuerte talento de buscador de puntos debiles sociales. Los temas sociales sometidos al consenso general (¡Hitler es malo! ¡Mohammed Atta es malo! ¡Bambi es malo!) que se tratan con silencioso disgusto (discapacitados, desamparados, asilados, desocupados) muy probablemente en algún momento caerán en las manos de Schlingensief y con ello llega la polémica…

Su actual trilogía “Attabambi Pornoland” , ataca el poder de interpretación de los mass-media con un mix orgiástico total de videos, teatro, mamarrachos, pornografía, volumen y citas artísticas más bien tiene en el espectador un alto grado de recepción eventual, en palabras de la crítica alemana, ES UNA EXPERIENCIA TOTAL.

¿Qué os parece? ¿Payaso o genio?

PD: Por curiosidad no dejeis de visitar la página web de otro proyectito de Schlingensief: THE CHURCH OF FEAR